Rencontres Professionnelles

La pratique de Thierry Fournier travaille aux frontières du vivant pour aborder des questions d’altérité, au sens large : installations, objets, pièces en réseau, sites web, vidéos, prints, performances. Il est également commissaire d’exposition indépendant, éditeur et enseignant. Architecte de formation (diplômé de l’École nationale supérieure d’Architecture de Lyon), il est né à Lyon en 1960. Il vit et travaille à Aubervilliers.

Laurent Pernot est né en 1980, il vit et travaille actuellement à Paris. Diplômé de l’Université Paris 8 et du Fresnoy studio national, il façonne une œuvre polymorphe qui explore la mémoire à travers l’expérience du flux du temps, de l’impermanence des choses, de l’apparition et de la disparition. Ses recherchent empruntent souvent à l’histoire, à la poésie, à la philosophie et aux sciences, dans une approche qui interroge la nature et la fragilité du vivant. Son travail a notamment été exposé à la Fondation Miro de Barcelone, à la Sketch Gallery de Londres, à l’Espace Culturel Louis Vuitton à Paris, au Palais de Tokyo, à la Maison Rouge, au Grand Palais, à la Biennale de São Paulo, au Centre Pompidou, au MMOMA de Moscou, au musée Delacroix, au Mac-Val et au Voyage à Nantes. Ses oeuvres sont présentes dans des collections de musées, de fondations et de privés du monde entier.

Engagée, la démarche de Jeanne Susplugas s’en prend à toutes les formes et toutes les stratégies d’enfermement. Elle n’a de cesse d’interroger les relations de l’individu avec lui-même et avec l’autre, face à un monde obsessionnel et dysfonctionnel. Elle explore différents médiums – dessins, photographies, installations, sculptures, sons, films – autant de langues qui s’enrichissent mutuellement pour créer une esthétique singulière, séduisante en apparence mais vite inquiétante et grinçante. Un travail protéiforme, transversal, très cohérent et précis, qui met le regardeur face à des sensations contradictoires – troublé et rassuré, inquiet et serein. Son travail a été largement montré en France et à l’étranger.

Chloé Jarry est la co-fondatrice de la société de production immersive et interactive Lucid Realities. Auparavant, elle a été productrice nouveaux médias chez Camera Lucida, où elle a travaillé sur de grands projets interactifs pendant plus de 8 ans. Jarry est le producteur exécutif de The Enemy, un projet de réalité virtuelle et augmentée réalisé par Karim Ben Khelifa, qui a été présenté en première à l’Institut du monde arabe à Paris, en mai 2017, et au MIT Museum de Cambridge (Ms) pendant trois mois à l’automne 2017. Elle est également la productrice exécutive de Replay Memories, un projet de web-VR de Gordon et Andres Jarach. Lucid Realities a récemment lancé plusieurs nouveaux projets de RV, comme 1, 2, 3 Bruegel, Condamned to play ou Claude Monet – The Waterlily obsession, présenté au Musée de l’Orangerie et dans plus de 10 musées différents à travers le monde. Lucid Realities est également le producteur délégué d’Endodrome, une œuvre de RV de l’artiste français Dominique Gonzalez-Foerster, présentée à la Biennale d’art de Venise 2019 et parrainée par Vive Arts.

Barthélemy Antoine-Lœff est un plasticien français dont les créations d’œuvres d’art optique et numériques, parfois interactives, souvent immersives, expriment des univers oniriques traversés par une relation contemplative et écologique de la nature et des éléments. L’artiste réalise des espaces de partage de son ressenti face aux « forces » du monde : onirisme, énergies, matières, technologies. Se refusant à se placer dans le champ du sublime kantien, il se positionne à l’endroit de l’émerveillement et l’engouement enfantin, comme pour revendiquer la part du rêve que nous développons enfant. En 2016, son installation « ljós » est nominée pour le Prix Cube de la Jeune Création International en Art Numérique. En 2017, il présente sa première monographie sous le titre d’«inlandsis» (calotte polaire) au Centre Culturel de la Ville de Gentilly. Barthélemy Antoine-Loeff vit et travaille à Paris. Ses travaux sont exposés et présentés dans de multiples festivals et lieux en France et à l’étranger.

Diego Ortiz est un artiste Franco-Colombien né à Cali en Colombie en 1980. Il vit et travaille à Marseille. Son travail interroge les rapports entre réalité et fiction par la création de dispositifs interactifs et de projets qui proposent des contextes relationnels singuliers.

Né à Besançon en 1985, Fabien Léaustic présente comme particularité d’être diplômé à la fois d’une école d’ingénieur et de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Soutenu par la DRAC Bourgogne-Franche-Comté, il expose son travail en France ou à l’étranger, dans des institutions (Palais de Tokyo, CENTQUATRE Paris, Centre des arts Enghien les Bains, Casa de Velazquez Madrid, FRAC Franche-Comté…) ou des structures indépendantes (Fondation Vasarely Aix-en-Provence, Espace Pierre-Cardin Paris…). Après deux années de résidence à la cité internationale des Arts de Paris, Fabien Léaustic poursuit ses recherches au sein du programme doctoral SACRe (Sciences, Art, Création, Recherche) financé par PSL (Paris Sciences Lettres). Fabien Léaustic vit et travaille entre Paris et Lons-le-Saunier dans le Jura.

Jesús Tamez-Duque est un artiste interdisciplinaire et un développeur de technologies basé sur le territoire de la Métropole Aix-Marseille-Provence (France). Exposées d’abord au Mexique, ses premières installations muséales ont intégré la neuroscience pour explorer les réactions et les connexions inconscientes face aux oeuvres d’art. Ses pièces ont ensuite rapidement gagné en complexité pour permettre une interactivité accrue et une meilleure intégration des concepts et des outils scientifiques. Son travail s’appuie sur le principe que les sciences sont une forme d’art, que les nouvelles technologies doivent être traitées comme une évolution des médias artistiques, que le 21e siècle appelle à créer un art qui se vit et pas simplement dont on est témoin, et que l’art est finalement créé par le public ou ceux qu’il nomme les « interacteurs » ; ce sont les trois points principaux de ce qu’il appelle « l’Art du papier ».

Su Hui-Yu obtient une maîtrise en art en 2003 à la Taipei National University of the Arts et évolue depuis dans la scène contemporaine. L’artiste se fascine pour la fresque complexe qui se trame entre images, médias, histoire et vie quotidienne. Dans ses vidéos, il explore tout à la fois l’impact des médias de masse sur les spectateurs ainsi que les projections des réflexions et désirs de ces spectateurs sur les médias eux-mêmes. Il s’est récemment penché sur des livres anciens, qu’il relit, revisite et dont il s’approprie les textes, dans une perspective renouvelée de la physicalité, de l’existence et de l’histoire. Ses oeuvres ont été présentées à de multiples occasions à Taïwan et à l’international.

Directeur artistique de l’Anarchy Dance Theatre. Les œuvres de Hsieh sont marquées par sa formation en architecture, et possèdent de fortes caractéristiques structurelles – une perspective créative combinant le temps, l’espace et l’énergie. Parmi les œuvres chorégraphiques notables, on peut citer The Eternal Straight Line (2019), Second Body (2015) et Seventh Sense (2011), qui comportent toutes une forte interactivité. En plus d’être très bien accueillies par le public, ses œuvres ont également été présentées dans de nombreux festivals internationaux de premier plan, notamment Ars Electronica, TodaysArt Festival et George Town Festival. La série d’installations de danse You Choreograph and Exercise, réalisée en collaboration avec ses collègues chorégraphes I-Fen Tung et Ko-Yang Chang, repousse encore les limites de l’expression en danse au-delà de la « performance » conventionnelle.

Hébergeant le projet VR FILM LAB à la Kaohsiung Film Archive, la productrice Grace Lee travaille dans le domaine de la radio depuis 2018. Elle a notamment coproduit du contenu de RV à l’échelle internationale, programmé la section RX du festival du film de Kaohsiung et entretenu des relations avec des festivals de cinéma internationaux tels que Venise, Tribeca, Newimages et de nombreuses institutions liées à la RX.

Yi Jung CHEN est une créatrice de films et d’arts visuels. En 2012, elle devient réalisatrice indépendante et se concentre sur la création de drames. En 2015, elle fonde le Hana Studio de Création Audiovisuelle Indépendant à Taiwan qui se consacre aux documentaires, films expérimentaux, commerciaux et dramatiques, en utilisant des techniques de pointe. En 2019, pour la télévision publique de Taiwan, elle produit un documentaire expérimental intitulé Outside the Path et commence à utiliser la technique VR 360 pour le tournage de films documentaires sportifs expérimentaux. Elle aimerait que Dora soit son premier court-métrage de fiction VR. Danieo CHEN est producteur chez Redbit Pictures, une société de création cinématographique fondée en 2011 à Taipei qui produit des courts et longs métrages créatifs ainsi que des projets de RV. Il appartient à une génération de nouveaux réalisateurs et producteurs taïwanais émergents, qui espèrent créer des films différents grâce à leur vision unique du monde.

Cathie Boyd travaille dans le domaine des arts depuis plus de 30 ans. Elle a passé 20 ans comme metteuse en scène d’opéras, de spectacles musicaux et de films et a travaillé dans plus de 25 pays, notamment à Peak Performances, Montclair, aux États-Unis, au Singapore Arts Festival, au Latvian National Opera, au Muziekgebouw, à Amsterdam et au South Bank Centre, à Londres. Elle a créé Cryptic en 1994 pour créer des spectacles innovants qui « ravissent les sens » et a réussi à transformer la compagnie en une maison de production artistique, représentant une nouvelle génération de talents écossais et internationaux. Elle a créé le festival Sonica Glasgow en 2012 autour des arts sonores pour les malvoyants.

Ela Orleans est une compositrice basée à Glasgow. Son travail fusionne d’élégantes lamentations noirâtres, des narrations fracturées luxuriantes et atmosphériques avec des influences allant de l’Atelier radiophonique de la BBC à la série Éthiopiques et aux musiques de films de Bernard Herrmann. Depuis ses débuts en solo chez Low Sun/High Moon en 2008, Orléans a reçu les éloges de la critique internationale pour son catalogue d’œuvres en pleine expansion. Elle a effectué des tournées au Royaume-Uni, en Europe, aux États-Unis et au Canada, présentant des œuvres au MoMA PS1, New York ; au MoCA, Massachusetts ; à la Biennale de Venise et au TATE Britain. Elle a travaillé sur plusieurs albums, des bandes sonores de films ainsi que des œuvres de théâtre et d’opéra.

Comme comédienne, Clara Chabalier travaille notamment avec Ivana Müller, Dieudonné Niangouna, Roméo Castellucci, Jean-François Peyret, Laurent Chétouane, César Vayssié… Avec la compagnie Pétrole, elle crée des projets transdisciplinaires mêlant théâtre, arts visuels et musique autour d’auteurs tels que P.P. Pasolini, E. Jelinek, ou de textes mythiques comme l’Alexandra de Lycophron ou le Kalila wa Dimna. Elle mène une recherche sur la relation entre spectacle vivant et nouvelles technologies.

Auteur-réalisateur au sein de l’association Tabasco Vidéo qui développe des projets vidéos participatifs, Nicolas Dupont s’est spécialisé dans les narrations interactives. Il a co-réalisé plusieurs webdocumentaires et projets interactifs, et engagé l’association vers de nouvelles formes de médias et d’écriture autour de la mise en récit des territoires en initiant des projets innovants, comme le journal multimédia “Fatche 2 !” ou le logiciel de création interactive “FRIGG”.

Née au Québec (Canada), Véronique Béland vit en France depuis 2010, où elle a été diplômée du Studio national des arts contemporains le Fresnoy (Promotion Michael Snow, 2010-2012). Elle est également titulaire d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Sa pratique artistique, qui gravite entre les arts médiatiques et la littérature, s’intéresse à des phénomènes insaisissables à échelle humaine, dans une tentative constante d’ausculter ce qui semble vide pour en révéler le contenu. Par divers protocoles de traduction ou de transcodage, qui convoquent à la fois les mondes de l’art et de la science, ses œuvres cherchent à faire contact entre le perceptible et l’imperceptible, d’où en jaillit une certaine forme de narration.

En tant qu’ancien danseur et producteur de documentaires, Rémi Large a toujours essayé de comprendre le langage spécifique de chaque art avant de s’engager dans l’immersion. Il fonde en 2017 Tamanoir Immersive Studio, basé au CentQuatre (Paris, France), qui crée des expériences combinant les arts vivants et les nouvelles technologies pour des institutions culturelles comme l’Opéra national de Paris, le CentQuatre-Paris, France TV…

Attiré de longue date par la création artistique et animé par l’envie de la partager, Samuel Arnoux s’engage très tôt pour favoriser la rencontre entre artistes et publics. Après avoir contribué à la genèse du Pont Supérieur (organisme de formation supérieure pour les artistes en Bretagne et en Pays de la Loire), il poursuit son parcours professionnel dans le réseau des Scènes de Musiques Actuelles (SMAC) où il contribue au développement de l’association MAPL sur le pays de Lorient avant de prendre la direction de la Cordonnerie à Romans-sur-Isère. En 2020, Samuel Arnoux rejoint l’équipe d’Electroni[k], organisatrice du festival Maintenant sur le bassin rennais avec l’envie de prolonger et de renforcer le travail engagé en faveur de la création contemporaine au croisement des arts, musiques et technologies.

Formée en administration et économie de la culture à Paris et Buenos Aires, Ludivine Pangaud a tout d’abord travaillé en tant que chargée de production des tournées d’expositions de la Philharmonie de Paris, puis pour la Fondation Cartier pour l’art contemporain en tant que Responsable administrative et financière avant de rejoindre les équipes du Centquatre-Paris pour assurer la production et l’administration de la Biennale des Arts Numériques Némo. Elle intervient par ailleurs à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne au sein du Master Economie de la Culture et Numérique. 

Commissaire et directeur artistique dans les domaines de l’art numérique, de la musique électronique et de l’art sonore, Alain Thibault est le fondateur de deux événements majeurs à Montréal, ELEKTRA et la Biennale internationale d’art numérique. Également compositeur de musique électronique, son travail a été diffusé au Québec (Canada) et à l’échelle internationale.

À travers sa pratique, Charline Dally propose des espaces de réflexion sur la perception du réel – en particulier la redéfinition des frontières entre les corps et les paysages. À l’aide des qualités propres aux médiums de la vidéo, elle vise à adoucir les limites du regard pour le faire évoluer au-delà de la surface qui le porte. Son travail a été présenté au MOCA (Toronto), festival MUTEK, Place des Arts (Montréal), Noviembre Electrónico (Buenos Aires), Les Abattoirs – Frac Occitanie (Toulouse).

Litote est un collectif de recherche en innovation organisationnelle. Constitué de Marie et Pierre Chaumont, ils ont joint leurs expertises en 2020 pour approfondir leurs questionnements sur l’expérience du spectateur en lien avec les techniques de présentations. Marie Chaumont est la fondatrice de SpeakArt, un moteur de recherche se spécialisant en résidences artistiques gratuites ou subventionnées, et aussi directrice de SpeakAIR, une résidence numérique subventionnée axée sur le processus créatif. Pierre Chaumont est un artiste conceptuel récipiendaire de plusieurs prix nationaux et internationaux qui a présenté son travail au sein de biennales et festivals d’art numérique à travers le monde.

Après un bac en philosophie et en histoire de l’art, ainsi qu’une maîtrise en culture et communications en France, c’est en 2015 que Camille entre en contact avec le milieu de l’art numérique en s’impliquant auprès du Fresnoy (Tourcoing, FR) et d’ELEKTRA. En 2016, elle intègre perte de signal en tant que responsable de l’accueil, de la communauté et de la médiation. Elle est également en charge de KidZlab et des activités avec les jeunes publics mis en place par le centre d’artistes. Elle aborde la médiation du numérique par une approche intuitive et artistique qui implique les publics de manière concrète.